Cinematógrafo na Saladearte de junho exibe Serras da Desordem. Confira a nota dos curadores sobre o filme

[Salvador] O Cinematógrafo de junho (sáb, 30/6, às 16h30, no Cinema do Museu) exibe Serras da Desordem, de Andrea Tonacci. “Há no filme uma proposta de olhar que a ficção não controla, mas que perturba também o pacto documental. – Confira a nota dos curadores do Cinematógrafo:

Cinematógrafo SERRAS JUNHO

Dos curadores, Fabricio Ramos e Camele Queiroz:

Em Serras da Desordem (2006), de Andrea Tonacci, a recorrente imagem do trem sempre em movimento que se impõe na tela, além de remeter à mítica imagem do nascimento do próprio cinema, simboliza o progresso tecnológico e o avanço civilizatório. Se o filme traduz, nas palavras do crítico Daniel Caetano, a “violência do olhar civilizatório” que “através da metáfora do trem em movimento”, dá conta “da construção de um país através de suas imagens”, a obra de Tonacci, que já ocupa um lugar de destaque na cinematografia brasileira, ultrapassa a sua própria metáfora para assumir contornos mais profundos em relação ao seu tema e ao próprio lugar do cinema.

Em sua narrativa, Serras da Desordem nos apresenta a odisseia de Carapiru, índio Awà Guajá que sobreviveu ao massacre de sua tribo por pistoleiros e perambulou pelos sertões do norte e nordeste do país por cerca de dez anos, até ser reintegrado ao que restou de seu grupo, por meio da intervenção estatal. Em sua forma, o filme oscila entre o estilo documental e a ficção, levando ao limite essa indefinição. Tonacci conta que o filme “encena uma história real”. De fato, Carapiru atua no papel de si mesmo, encenando a sua própria história, contada pelo diretor. Inicialmente pensado como um filme de ficção cuja história — a da errância de Carapiru — reverberaria um sentimento de perda vivido por Tonacci, o filme transborda para uma zona de incerteza e de risco que confunde o espectador em seu esforço de situar o filme em um gênero ou de estabelecer um pacto seguro com o que vê na tela: estamos diante de uma ficção ou um documentário? Trata-se de um registro de uma situação real ou de uma encenação? Nem mesmo o suporte ou os procedimentos formais garantem um terreno estável: Serras oscila entre imagens digitais e em película, em cores e em preto e branco, além de alternar entrevistas, encenações, imagens de arquivo e trechos de reportagens televisivas.

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Não obstante toda a incerteza formal e estética de um cinema de risco, inevitavelmente associamos a temática do filme ao drama secular da questão indígena, marcada por uma história de incompreensão, exclusão e genocídio, e por uma relação, como diria Viveiros de Castro, de “desencontro cosmológico” entre nós e eles, sendo que esse “eles” é tudo o que é “não-ocidental, não-moderno, não-humano”.

Mas Serras vai além quando nos oferece uma experiência cinematográfica que nos convoca, para além do tema mais evidente e da forma provocativa, à uma reflexão existencial e, no sentido amplo, “espiritual”, capaz de fazer com que nós nos vejamos refletidos na tragédia individual de Carapiru, contemplando uma imagem de nós mesmos, embora sem nos reconhecer nela, porque Carapiru encarna a imagem do “o outro” absoluto cuja fala sequer entendemos. Porém, de alguma forma, ele participa de nossa própria história como um homem do século XXI que reúne em si mesmo uma sensível síntese histórica e individual de nosso tempo indescritível, de nossa modernidade que o cinema de Tonacci, a um só tempo, expressa e contesta.

Vem da própria trajetória de Tonacci como um cineasta singular essa manifesta consciência do desencontro cosmológico entre índios e brancos na história do Brasil. O diretor, que se foi há menos de dois anos (ele morreu em dezembro de 2016, aos 72 anos), é considerado um dos principais nomes do chamado “cinema marginal” (movimento melhor designado por Jairo Ferreira como Cinema de invenção). Em 1966, dirigiu Olho por Olho, e atuou como fotógrafo de Documentário, ficção de Rogério Sganzerla, ambos curtas metragens. Dirigiu BláBláBlá, de 1968, e Bang-Bang, de 1971, entre outras ficções, e mais tarde se voltou para o método documental, aproximando-se, inclusive, de um uma experiência um tanto etnográfica, quando filmou os índios Canela em Conversas no Maranhão (1977); e Arara, em Os Arara (1983).

Tal trajetória se mostra fundamental para a motivação e determinante para as escolhas que levaram o diretor a realizar Serras da Desordem. Com base em sua experiência, que vincula o cinema à sua própria vida, é que Tonacci transfigura o desencontro cosmológico entre ele e o índio em um encontro entre dois indivíduos, marcado por “um processo de reconhecimento — ou desconhecimento — do outro, de mútua e imediata interferência de um no outro”, como ele declara em entrevista a Daniel Caetano, referindo-se à sua vivência com os índios Canela do Maranhão. Nesse sentido, Serras da Desordem imbrica o nós e o eles e complexifica essa relação por si só problemática, em meio a uma história nossa de “progresso” e destruição que já não ameaça somente Carapiru (que incorpora o eles), mas a nós mesmos que, através do filme de Tonacci, nos apropriamos de sua história para pensarmos, a partir da condição geral do índio, a nossa própria condição moderna.

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O diretor Andrea Tonacci (com a câmera) revela o próprio aparato cinematográfico no filme

Enfim, trata-se de um filme sobre o qual muito já se disse, embora nunca o suficiente, e que descortina uma miríade de questões, sejam políticas e propriamente cinematográficas, sejam mais amplamente ligadas às nossas ideias sobre a vida e o mundo, nossa história, nossas conquistas e nossas tragédias.

Serras da Desordem, portanto, não se resume numa mera crítica histórica, social ou política que se apoia na odisseia de um indivíduo emblemático — um índio: o próprio Tonacci reafirma a sua intenção, não de revelar algo sobre Carapiru, nem tampouco de restituir alguma verdade ou delegar a voz ao outro excluído (coisa que efetivamente ele não faz), mas de oferecer ao expectador uma experiência lacunar, a fim de “permitir um mergulho nesse escuro, nesse desconhecimento” que são os índios para nós, “uma outra humanidade”, como uma fala no próprio filme expressa.

Para introduzir, quem sabe, a conversa que tradicionalmente se segue a sessão do Cinematógrafo, reproduzo uma reflexão de Daniel Caetano, crítico citado anteriormente e que organizou o livro “Serras da Desordem”, publicado pela azougue editorial, infelizmente esgotado. A reflexão de Caetano retoma, a partir de Serras, o tema do espírito da modernidade e da “violência do olhar civilizatório”, que abriu esse texto:

A aparição de Andrea Tonacci ao final do filme — assumindo seu papel como mediador dessa narrativa sobre a trajetória de Carapiru, o índio desterritorializado (…) — gera uma crise revitalizadora ao questionar o espaço deste filme na relação entre um homem que teve sua forma de vida atacada e a civilização que primeiro colonizou seu espaço e posteriormente se apropriou de sua imagem e de sua história para poder refletir sobre si mesma. (Daniel Caetano)

A força dramática de Serras da Desordem reside, inescapavelmente, no fato de Carapiru ser um índio. Mas o fascínio que o filme desperta se liga à sua dimensão de obra única: há no filme uma proposta de olhar que a ficção não controla, mas que perturba também o pacto documental. Um cinema de risco, como já dito, que reflete a própria trajetória criativa de Andrea Tonacci, marcada por qualquer coisa marginal, desafiante das dicotomias propriamente modernas. Trajetória que o situa, entretanto, para muito além das margens: em Serras da Desordem, Andrea Tonacci inventa um cinema, realiza um autêntico cinema de invenção.

— Por Fabricio Ramos e Camele Queiroz, curadores

 

 

“Serras da Desordem” passa no Cinematógrafo de junho, que acontece na Saladearte — Cinema do Museu (no Corredor da Vitória, em Salvador), no sábado (30/6), às 16h30. O Cinematógrafo acontece lá mensalmente, sempre no último sábado do mês, exibindo filmes de formas e temas diversificados. A curadoria é dos cineastas Fabricio Ramos e Camele Queiroz e as sessões são sempre seguidas de uma boa conversa sobre o filme, mas também sobre as relações do cinema com a arte e a vida.

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Cinematógrafo na Saladearte de maio (sáb, 26/5) apresenta “A última vez que vi Macau”. Leia a nota dos curadores sobre o filme

Por meio de imagens documentais, o filme produz o efeito mágico de um cinema ficcional clássico, intensificado pelas imagens carregadas de mistério. A última vez que vi Macau passa no Cinematógrafo de maio, que acontece na Saladearte – Cinema do Museu (no Corredor da Vitória, em Salvador), no sábado (26/5), às 16h30. – Dos curadores Fabricio Ramos e Camele Queiroz

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Se o Oriente é uma invenção ocidental que marca com o selo do exotismo todos os mundos a leste da Europa, os cineastas João Pedro Rodrigues e João Rui Guerra da Mata, sem incorrer em citações, passeiam pela mistura de estranhamento e intimidade, de mistério e de domínio, que refletem os vínculos profundos entre colonizadores e colonizados que a expansão colonial portuguesa produziu, inclusive, no próprio diretor Guerra da Mata, que viveu parte de sua vida em Macau.

Em A última vez que vi Macau (Portugal, 2012), o próprio cineasta Guerra da Mata, cuja voz conduz a narração do filme, recebe em Portugal uma carta de Macau, enviada por sua amiga Candy, cujas primeiras palavras são: ‘quando leres esta carta eu talvez já esteja morta’. O cineasta, que encarna o personagem que nunca veremos em cena, parte para Macau à procura de Candy na esperança de salvá-la de um perigo de morte insondável, misterioso. O filme começa, aliás, mostrando Candy (Cindy Scrash) cantando You Kill Me (I’m sure that my love will survive/ Because you kill me and keep me so alive). Candy é travesti e vive em Macau há muito tempo, vinda também de Portugal. A carta desesperada que ela enviou ao amigo desencadeia a trama, uma trama contrariada permanentemente pelo estilo documental que revela – da perspectiva da memória de um português – uma Macau em transformação, ocidentalizando-se ao mesmo tempo em que se esquece aos poucos dos mais de quatrocentos anos de colonização portuguesa, cujos traços resistem em nomes de ruas e edifícios, mas se esvanecem nos mistérios e exotismos que tornam a cidade irreconhecível para o próprio Guerra da Mata, ou para o seu personagem que nunca vemos, apenas ouvimos.

A última vez que vi Macau passa pelo tema da representação do Oriente no cinema (a canção que Candy interpreta na abertura vem de Macao (1952), filme de Josef von Sternberg que Nicholas Ray terminou), e se apoia, essencialmente, no tema do imaginário colonizador em tempos pós-coloniais. Mas o filme ultrapassa esses temas sem prescindir de suas funções narrativas. De acordo com a apresentação do filme, a trama de A última vez que vi Macau constrói-se “num plano de contaminação entre as memórias e fantasias de infância de João Rui Guerra da Mata”, que viveu em Macau, “e a procura documental dos vestígios de uma presença nesse território”, acabando por cruzar histórias pessoais dos dois realizadores. Segundo a Academia Portuguesa de Cinema, A última vez que vi Macau é “um filme misterioso, exuberante, que atravessa as fronteiras do cinema e devolve-nos a intimidade da narração”. O filme participou, inclusive, de festivais dedicados ao cinema documental, como o Doc Lisboa.

Insinuando, talvez, certa influência de Chris Marker, o filme, entretanto, elabora uma trama fabular que alguns comentadores classificaram como tributária dos filmes noir, carregada de conspirações, perseguições e assassinato. A fábula, entretanto, nunca foi tão contrariada pelo próprio registro documental que as imagens claramente transmitem. De fato, os cineastas João Pedro Rodrigues e João Rui Guerra da Mata partiram para Macau com o objetivo de realizar um documentário e no meio do processo resolveram “redirecioná-lo rumo à ficção, por meio de um narrador cujas impressões emprestam às imagens um novo sentido”, como pontua Filipe Furtado na Cinética.

A última vez que vi Macau, portanto, antes (ou além) de um documentário, é uma experiência de cinema que reflete certa tendência e desejo dos cineastas de, por meio de imagens documentais, produzir o efeito mágico de um cinema ficcional clássico, efeito intensificado pelas imagens carregadas de mistério e estranhamento que sintetizam, ainda que a isso não se reduza o filme, o olhar distanciado e ao mesmo tempo entranhado do colonizador que já não se reconhece em Macau, nem reconhece Macau.

O filme passa no Cinematógrafo de maio, que acontece na Saladearte – Cinema do Museu (no Corredor da Vitória, em Salvador), no sábado (26/5), às 16h30. O Cinematógrafo acontece lá mensalmente, sempre no último sábado do mês. A curadoria é dos cineastas Fabricio Ramos e Camele Queiroz e as sessões são sempre seguidas de uma boa conversa aberta e diversificada, sobre o filme, mas também sobre as relações do cinema com a arte e a vida.

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Cinematógrafo na Saladearte de abril exibe “O Ódio”, de Kassovitz. Leia a nota dos curadores sobre o filme

A sessão do Cinematógrafo de abril será no sábado, 28 de abril, às 16h30, na Saladearte – Cinema do Museu, que fica no Corredor da Vitória, em Salvador.

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Nota dos curadores Fabricio Ramos e Camele Queiroz:

Mathieu Kassovitz tinha 28 anos quando dirigiu La Haine (O Ódio) em 1995. O filme segue, ao longo de 24 horas pelas ruas de Paris, o itinerário de três jovens parisienses, Vinz (Vincent Cassel), Hubert (Hubert Koundé) e Said (Said Taghmaoui), o primeiro de ascendência judaica, o segundo de ascendência africana e o terceiro de origem árabe. Um trio de amigos que expressa um distópico melting pot de sobreviventes das sociedades pós-industriais imersos na crise do estado nação. Trata-se de um filme sobre jovens, mas também de um filme, em si, jovem, preocupado com os contextos imediatos de seu tempo e lugar: os distúrbios urbanos que incendiaram Paris em 1991 compõem o eixo temático do filme.

Vinz, Hubert e Said (note-se que os três atores emprestam seus nomes reais aos personagens), vivem o cotidiano de seu bairro periférico onde, durante os distúrbios recentes, um jovem morreu vítima da violência da repressão policial. Vinz, inconformado com a situação, tenta convencer Hubert e Said de que algo precisa ser feito para mostrar ao estado e à polícia que eles “não estão para brincadeira”. Hubert e Said, entretanto, embora habitem o mesmo lugar e sofram os impactos da mesma violência que causa revolta em Vinz, não lhe fazem côro e enfrentam, cada qual à sua maneira, as adversidades de suas vidas marginalizadas. Durante a repressão policial aos distúrbios no bairro, um policial perdeu a sua arma, que foi encontrada por Vinz. Ele hesita, mas depois revela aos amigos que tem a posse do revólver e que pretende agir para vingar a morte do jovem! Em sua deriva por uma Paris geograficamente demarcada pelas tensões entre centro e periferia, as peripécias dos três jovens traduzem, em contraste com a crescente e imediata ameaça da violência, um esforço desesperado de acreditar numa vida digna. Entre o ódio e a esperança de viver, o drama juvenil dos três amigos reflete menos a revolta do que a impossibilidade da revolta.

A temática urgente em 1995, que mantém a mesma urgência hoje, aliada ao dinamismo formal – “O Ódio” é soberbamente filmado – e à fotografia em preto-e-branco, sugerem uma vontade documental de Kassovitz, que realiza um filme realista, político e que tem o êxito de não incorrer em panfletarismos. O ritmo enérgico reflete o olhar inquieto da juventude. A narrativa temporalmente linear (há um relógio que sempre retorna a mostrar as horas), não narra algum mote sobre a vida, mas nos torna cúmplices de um filme que acontece com a vida – ele não a transfigura, ele a expande no interior dos limites do cinema.

Em uma breve entrevista que Godard, um dos mais radicais inventores da Nouvelle Vague, concedeu ao diretor Alexander Kluge, um dos nomes expressivos do novo cinema alemão, este pergunta como Godard definiria o cinema a um eventual extraterrestre que lhe aparecesse. Godard reflete por um momento e começa por dizer que falaria ao extraterrestre de um aparelho, a câmera, inventado no início do século XX, que, tal como o telescópio servia para enxergar os distantes astros do universo, ou o microscópio nos auxiliava a ver o mundo tão próximo e invisível que os nossos olhos não alcançam, a câmera nos servia para ver a própria humanidade.

Em “O Ódio”, a câmera de Kassovitz nos oferece um ponto de vista sobre essa humanidade que somos, um ponto de vista jovem, enérgico, carregado de um ódio que, se infesta toda a nossa atmosfera social, nem sempre consegue destruir o que há de amor em nós. É esse amor – abstrato, inconsciente, profundo – que torna Vinz um personagem cindido entre a revolta violenta e o anseio de dignidade. É esse amor, talvez, que o impede, não sem um grande custo emocional, que ele mate um jovem neo-nazista que agredia os seus amigos. Mas “O ódio” é implacável, a catástrofe é anunciada, a violência e o assassinato não retrocedem. O filme nos situa no desconfortável lugar entre o impacto de dois “aparelhos”: o revólver explícito e a câmera que oculta a si mesma, mas nos revela algo dessa nossa humanidade.

TRAILER:

SOBRE O CINEMATÓGRAFO

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O Cinematógrafo, uma mostra de filmes independente sob curadoria de Camele Queiroz e Fabricio Ramos, cineastas e curadores de Salvador. A iniciativa independente começou no Rio Vermelho, na Casa 149. Ali, num esquema artesanal de montagem de estrutura de projeção, realizou-se sessões durante seis meses, desde dezembro de 2016. Em julho de 2017, fomos convidados a realizar o Cinematógrafo no Cine XIV, sala no Pelourinho, em parceria com o Circuito Saladearte. Com o incêndio que consumiu o Cine XIV, interrompemos os encontros para os retomarmos, neste ano de 2018, no Cinema do Museu, sempre no último sábado de cada mês, às 16h30. Os ingressos custam R$ 12,00. O objetivo é, a partir de filmes de variados temas e formas, promover conversas sobre as relações do cinema com questões da vida e suas relações com a arte.

 

Cinematógrafo na Saladearte (sáb, 7/4) exibe “Homem Comum” (2014), de Carlos Nader. Confira o TRAILER e nota dos curadores:

O Cinematógrafo na Saladearte de março, por conta da semana santa, acontece excepcionalmente no primeiro sábado de ABRIL, dia 7, às 16h30, no Cinema do Museu.

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Nota dos Curadores do Cinematógrafo, Fabricio Ramos e Camele Queiroz, sobre “Homem Comum”:

Há mais de 20 anos, o cineasta Carlos Nader começou a se aventurar pelas estradas e rodovias do Brasil profundo, interpelando caminhoneiros, estabelecendo com eles conversas triviais até que, repentinamente, redirecionava a conversa para o tema das inquietações existenciais e da sensação de estranhamento diante do enigma da vida.

Num primeiro olhar, suspeitamos que Nader quer fazer expressar-se, através de um choque de sensibilidades distintas que um encontro entre um cineasta sofisticado e um simples caminhoneiro produz, o pensamento daqueles que não estariam “destinados” a pensar. Quê angústias metafísicas, que questionamentos existenciais, um homem ou uma mulher voltados para o aspecto prático da vida expressam e como os expressam?

A atitude de desbravamento de Nader, que inicia um incerto e peculiar road-movie, reconduz os caminhos do próprio filme, transformando a experiência do cineasta a partir de seu encontro com Nilson, o caminhoneiro Nilsão. Emerge entre eles uma espécie de amizade aparentemente destoante, mas fortalecida por algum mistério, por um fascínio mútuo que os une ao longo de uma aventura compartilhada que se estende de 1995 até 2012. Uma aventura que, nas palavras de José Miguel Wisnik sobre “Homem Comum”, realiza “uma extraordinária aproximação ao princípio que reconhece o caráter impenetrável do cotidiano, ao mesmo tempo que o caráter cotidiano do impenetrável”.

É a angústia existencial do cineasta que o move a questionar Nilson sobre a vida, mas é a presença da morte, em meio às tragédias de uma vida como tantas outras, que faz Nilson procurar o cineasta depois de vários anos.

Trata-se de um encontro mediado pelo cinema, não só pelo fazer cinema próprio de Carlos Nader, mas pela inserção, no filme em si e na relação de Nader com Nilson, de cenas do clássico do cinema mundial “A Palavra” (Ordet, 1955), do diretor dinamarquês Carl Theodor Dreyer. Neste clássico, a falta de sentido do mundo e o absurdo da vida são enfrentados e sofridos por seus personagens que, diante do acontecimento fatídico da morte, conclamam, de forma conflituosa e desesperada, o misterioso salto de fé.

São muitas as questões que “Homem Comum”enseja, sobre a vida e a morte, sobre as visões de mundo e sensibilidades marcadas por diferenças profundas, mas unidas, de um modo inalcançável, por um sentimento universal diante de uma vida enigmática, embora carregada de exigências práticas que, não raro, parecem soterrar o caráter impenetrável do cotidiano, mas não resistem a algo mais profundo, mais forte, que em certos momentos arrastam a todos nós para a espiral de uma outra visão da vida e do mundo.

Mas uma das questões que aparecem se dá no campo sensível que subverte as relações e os lugares que certa ordem do mundo define para cada sujeito: precisamente a questão de uma não-adesão fundamental à ordem das coisas que une, essencialmente, o cineasta existencialmente angustiado e o caminhoneiro que diz sequer ter a capacidade de sonhar.

Depois de ver o filme, fica-nos, entre outros sentimentos, o reconhecimento íntimo de que o tema das relações e das diferenças, em vários níveis, oferece mais complexidade do que admitem certos discursos eruditos, e nos sentimos animados a ampliar, a partir de nós mesmos até o outro mais distante, a dimensão das grandes questões, dos grandes sentimentos, que não são grandes por serem raros ou profundos, mas por se fazerem essencialmente presentes em todos nós, mulheres e homens comuns.

TRAILER:

 

SOBRE O CINEMATÓGRAFO

O Cinematógrafo, uma mostra de filmes independente sob curadoria de Camele Queiroz e Fabricio Ramos, cineastas e curadores de Salvador. A iniciativa independente começou no Rio Vermelho, na Casa 149. Ali, num esquema artesanal de montagem de estrutura de projeção, realizou-se sessões durante seis meses, desde dezembro de 2016. Em julho de 2017, fomos convidados a realizar o Cinematógrafo no Cine XIV, sala no Pelourinho, em parceria com o Circuito Saladearte. Com o incêndio que consumiu o Cine XIV, interrompemos os encontros para os retomarmos, neste ano de 2018, no Cinema do Museu, sempre no último sábado de cada mês, às 16h30. O objetivo é, a partir de filmes de variados temas e formas, promover conversas sobre as relações do cinema com questões da vida e suas relações com a arte.
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Cinematógrafo na Saladearte de fevereiro (sáb, 24) exibe “Como na Canção dos Beatles: Norwegian Wood” (2010)

Obra de forte expressão poética constrói uma história de amor em torno da tragédia e da sexualidade como dimensões da vida. O Cinematógrafo exibe filmes mensalmente, na Saladearte Cinema do Museu (Corredor da Vitória, Ssa), sempre no último sábado do mês, às 16h30. As sessões são seguidas de conversas ao pé da mangueira, com café e cerveja à venda.

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Nota dos curadores do Cinematógrafo sobre o filme do próximo sábado:

Música, literatura e cinema: uma célebre canção dos Beatles empresta seu nome ao best-seller do escritor japonês Haruki Murakami, obra que o diretor franco-vietnamita Tran Anh Hung adapta para o cinema. Norwegian Wood (traduzido no Brasil como ‘Como na Canção dos Beatles: Norwegian Wood’), lançado em 2010, foi indicado ao Leão de Ouro no Festival de Veneza daquele ano e, desde então, vem causando impressões controversas na crítica e no público.

Se a proposta do Cinematógrafo na Saladearte é ensejar boas conversas sobre as relações do cinema com a vida e com as outras artes, Norwegian Wood nos oferece um leque exuberante de motivos: se leitores de Murakami questionam a força dramática da adaptação cinematográfica da obra literária, cabe aos amantes do cinema reclamar a especificidade da obra cinematográfica e as razões do diretor, considerado um esteta que, marcadamente, valoriza a intensidade visual, a presença da sensualidade na narrativa e o rigor na composição dos quadros, mis-èn-scene e dramaturgia.

Narrada por Watanabe, a trama se passa no Japão do efervescente ano de 1967 e se inicia a partir da relação triangular entre o protagonista narrador e um casal de amigos, Naoko e Kisuki, que se conhecem desde a primeira infância e se convertem em amantes desde cedo. Um acontecimento trágico transtorna a relação entre Watanabe e a sua amiga Naoko, que se separam para depois se reencontrarem e, juntos, redescobrirem a sexualidade, o sentido do amor e, cada um a sua maneira, enfrentarem a tragédia que se abateu sobre eles.

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O que Tran Anh Hung nos oferece é um filme conscientemente moderno que se desvirtua dos clamores pós-modernos, por assim dizer, construindo personagens trágicos que vivem dramas existenciais alheios às conturbações estudantis de jovens que declinam discursos ideologizados, armados de certezas e que rechaçam as nuanças individuais em nome das lutas efetivamente políticas. O pano de fundo das vigorosas manifestações estudantis nas ruas de Tóquio contra a guerra do Vietnã, participando de um movimento globalizado de contestação política e de transformação de valores, substancia metaforicamente o processo drástico de transformação individual de Watanabe. Trata-se de um filme sobre amadurecimento emocional a partir do sofrimento, da experiência mesma de viver entre o afã de comunhão e de solidão, entre o erotismo transcendental e o desejo sexual que resulta de uma necessidade misteriosa e produz prazer, mas também frustração, medo e dor.

Norwegian Wood reflete, esteticamente, um tipo de realismo imaterial, com pouco ou nenhum espaço para a fantasia, mas carregado de sensorialidade musical e visual. A direção e composição da trilha sonora é assinada por Jonny Greenwood, guitarrista da banda inglesa Radiohead, e a fotografia ficou a cargo do experiente taiwanense Mark Lee Ping-bing. O resultado do conjunto do trabalho sonoro e fotográfico, aliado ao naturalismo da dramaturgia, é uma obra de forte impacto poético e emocional.

Aliás, no que se refere ao impacto emocional, este se impõe e exige um lugar especial que motivará, em nossa opinião, conversas enriquecedoras, controversas e vitais: afinal, o que Norwegian Wood nos propõe é uma reflexão poética e trágica sobre os modos como absorvemos as nossas próprias dores, como enfrentamos as nossas dúvidas e anseios, como convivemos com as fatalidades que fazem reluzir as difíceis realidades com as quais nos deparamos e que precisamos inescapavelmente enfrentar, em meio aos nossos ardentes desejos de comunhão constituintes de nossa vida ontologicamente solitária. Em suma, o filme nos leva a refletir sobre como a vida nos torna o que somos, a cada momento.

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SOBRE O CINEMATÓGRAFO

O Cinematógrafo, uma mostra de filmes independente sob curadoria de Camele Queiroz e Fabricio Ramos, cineastas e curadores de Salvador. A iniciativa independente começou no Rio Vermelho, na Casa 149. Ali, num esquema artesanal de montagem de estrutura de projeção, realizou-se sessões durante seis meses, desde dezembro de 2016. Em julho de 2017, fomos convidados a realizar o Cinematógrafo no Cine XIV, sala no Pelourinho, em parceria com o Circuito Saladearte. Com o incêndio que consumiu o Cine XIV, interrompemos os encontros para os retomarmos, neste ano de 2018, no Cinema do Museu, sempre no último sábado de cada mês, às 16h30. O objetivo é, a partir de filmes de variados temas e formas, promover conversas sobre as relações do cinema com questões da vida e suas relações com a arte.

[Salvador] O Cinematógrafo no Cine XIV de outubro exibe “A Liberdade é Azul”

Cinematógrafo de OUTUBRO

Nota dos curadores:

Julie Vignon (Juliette Binoche) sobrevive ao acidente de carro que vitimou seu marido e sua filha pequena. Diante da dor da perda, ela decide enfrentar a tragédia experimentando uma liberdade radical em sua vida, recusando o luto e o choro, livrando-se de seus bens e patrimônio, evitando se ligar ao próprio passado e se afastando definitivamente das pessoas com as quais mantinha vínculos afetivos.

Em A Liberdade é Azul (1993), a Música e cor cumprem uma função narrativa mas, sobretudo, compõem a estética do filme, que proporciona uma experiência sensorial impactante, imprescindível de ser vivenciada num ambiente que somente a sala de cinema oferece. O tema da liberdade aparece sob uma abordagem existencial e trágica, mas evoca questões que se ligam a uma ampla variedade de problemas contemporâneos.

O diretor polonês Krzysztof Kieslowski completou a sua trilogia das cores com A Igualdade é Branca (1994) e A Fraternidade é Vermelha (1995), títulos que fazem clara referência aos ideais iluministas encampados pela Revolução burguesa na França. A acepção demasiado óbvia dos títulos poderia sugerir uma leitura apressada, relacionando o filme à preponderância de razões políticas e históricas. Entretanto, em A Liberdade é Azul, a história e a política só aparecem enquanto substrato de uma experiência individual trágica que, como um corpo que se afoga, busca na própria crise dos ideais, se não uma tábua de salvação, uma maneira possível de ficar submerso. — (Por Fabricio e Camele).

O quê: sessão de A Liberdade é Azul no Cinematógrafo
Quando: dia 7 de outubro, sábado, às 16h.
Onde: no Cine XIV, no Pelourinho (veja mapa mais abaixo)
(A contribuição é de R$ 5,00)

O CINEMATÓGRAFO:

O Cinematógrafo no Cine XIV exibe filmes, mensalmente, de variadas formas e temas, sempre no primeiro sábado do mês, às 16h. O intuito é instigar conversas sobre os mais diversos problemas contemporâneos, nos campos da política, da estética e da arte em suas relações com a vida. A curadoria é de Camele Queiroz e Fabricio Ramos e os filmes programados são divulgados a cada mês em nossas redes (curta a página no Facebook).  A contribuição é de R$ 5,00 por sessão. Apoie a iniciativa se tornando um membro associado através da anuidade (sessenta reais) que garante acesso às doze sessões anuais.  Fale conosco e participe!

Cinematógrafo na Casa 149 de junho (dia 29) exibe o filme argentino XXY

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“XXY”, escrito e dirigido pela argentina Lucía Puenzo, é uma é uma co-produção da Argentina, França e Espanha, lançada em 2007.

Sinopse: Alex (Inés Efron) nasceu com ambas as características sexuais. Tentando fugir dos médicos que desejam corrigir a ambigüidade genital da criança, seus pais a levam para um vilarejo no Uruguai. Eles estão convencidos de que uma cirurgia deste tipo seria uma violência ao corpo de Alex e, com isso, vivem isolados numa casa nas dunas. Até que, um dia, a família recebe a visita de um casal de amigos, que leva consigo o filho adolescente. É quando Alex, que está com 15 anos, e o jovem, de 16, sentem-se atraídos um pelo outro.

O filme, um drama intenso e sensível de tema delicado, tem um ritmo pausado e reflexivo. XXY é a estréia na direção de Lucía Puenzo, conhecida pelos roteiros de filmes como A través de tus Ojos e La Puta y la Ballena, além de escrever para séries de televisão como Hombres de Honor e Sol Negro. Seu pai, Luis Puenzo, é diretor premiado com o Oscar de melhor filme estrangeiro em 1986, com o filme A História Oficial, sobre desaparecidos durante a ditadura argentina.

Em termos de festivais e prêmios, o filme teve uma importante trajetória: recebeu o Prêmio da Crítica no Festival de Cannes e foi escolhido para representar a Argentina na disputa por uma indicação ao Oscar de Melhor Filme Estrangeiro. Além disso, XXY ganhou o Goya (o Oscar espanhol) e o Ariel (o Oscar mexicano) de Melhor Filme Latino Estrangeiro, foi o grande vencedor da premiação dos críticos de cinema da Argentina (Melhor Filme, Roteiro e Atriz, para Inés Efron) e ganhou os festivais de Atenas (Grécia), Bangkok (Tailândia), Cartagena (Colômbia), Edinburgo (Escócia), Montreal (Canadá) e São Francisco (EUA), entre outros.

A Casa 149 fica no Rio Vermelho, na orla, próxima à praia da paciência. A sessão começa às 19h30 e a entrada é franca.

CINEMATÓGRAFO NA CASA 149

O Cinematógrafo na Casa 149 apresenta filmes de variadas temáticas, formas e gêneros que, como eixo comum, dialoguem com diversas questões contemporâneas.

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A iniciativa realiza uma série de encontros mensais, com exibição de filmes seguidas de rodas de conversas, que acontecerão até dezembro de 2017. As sessões acontecem toda última quinta-feira do mês, na Casa 149, galeria de arte e espaço cultural que fica no Rio Vermelho, na Rua da Paciência (orla), em Salvador. A curadoria da mostra é feita por Camele Queiroz e Fabricio Ramos, que são cineastas e também atuam no campo da difusão do cinema independente. Os filmes que serão exibidos serão divulgados a cada mês em nossas redes.

Desde Dezembro de 2016 (com um intervalo em fevereiro, devido ao carnaval), o Cinematógrafo exibiu os filmes “Gueros” (México, 2015); “A Caça” (Dinamarca, 2012); “O Abraço da Serpente” (Colômbia, 2016);  “O Ato de Matar” (Dinamarca, Noruega, Reino Unido, 2012), e “Nostalgia da Luz” (EUA/ALE/Chile/ESP/FRA, 2010, Cores, 90 min), de Patrício Guzmán.

Todas as informações serão difundidas nesta página e na página da série de eventos no Facebook:

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